Este blog es creado por dos amigos que viven, comen, leen y respiran música, bueno mucho Rock para ser preciso. Queremos que todos ustedes que siguen estas líneas y los artículos que les vamos a presentar sientan que el Rock no tiene fronteras, ni culturas ni mucho menos radicalismos, por que la vida sin música no es vida.
Muchos jóvenes y gente en general se ha dejado llevar de la muy agradable y exitosa canción de “Train” llamada “Hey, soul sister”. En el coro de la canción, hay una parte que dice “Ain’t that Mr Mister on the radio…”. Si uno le pregunta a alguien menor de 25 años, muy seguramente no tendrá la menor idea de qué significa eso y pensará que es algo para que rime, pero para hacer honor a la verdad y para despejar la duda, hoy hablaremos de una de las mejores bandas que nos dio la década de los 80’s: Mr Mister.
Como muchas de las bandas ochenteras que han visitado este espacio, Mr Mister solo tuvo un álbum realmente exitoso, llamado “Welcome to the real world”. Esta banda de Los Angeles, California, formada en 1982 tuvo un par de #1, siendo “Broken wings” y “Kyrie” sus canciones para recordar, aunque también hay canciones como “Welcome to the real world, “The tube”, o “Is it love”, que bien hubiesen podido ser éxitos, en tanto que son canciones con un componente rockero tan puro como pegajoso.
Mr. Mister, cuyo nombre salió de una broma en un programa de televisión, fue conformada por Richard Page en guitarra y bajo, Steve George en teclados, Pat Mastelotto en batería y Steve Farris en guitarras. Page rechazó ofertas para ser vocalista de bandas como “Toto” y “Chicago”. Después de todo el éxito en 1985 con las canciones ya mencionadas, se pensó en nuevo álbum en 1989, pero finalmente nunca vio la luz, y desembocó en la disolución de la banda, la cual se volvería a reunir en 2010.
La canción que veremos hoy es “Kyrie”, de 1985. En el coro se nombra a “Kyrie Elleison”, que si bien uno podría pensar que se trata de una mujer, realmente es una plegaria a Dios, en tanto que en las misas griegas dicen “Kyrie Elleison” cuando se quiere decir “Señor, ten piedad”.
Pues este es Mr. Mister, una banda de los 80’s, que ojalá de la mano de “Train” y de la curiosidad de los jóvenes, vuelva a ser consultada como la gran banda que fue.
Estas son las bandas que me hacen recordar por que me gusta el rock, su sonido algo descuidado, sus guitarras con efectos sucios dan vida a lo que es en verdad el rock, un sentimiento un malestar que nos encanta, es indiscutible el gran talento de estos dos músicos que con riff poco elaborados y bases sencillas de batería le dan alma a este muy buen sonido.
The Black Keys nace en Estados Unidos más exactamente en Akron en Ohio, esta conformado por Dan Auerbach y Patrick Carney quienes interpretan la bateria, voz y guitarra, acompañados por músicos invitados en bajo y sintetizador en sus actuaciones en vivo. Su sonido blus Rock nos recuerdan a grandes grupos Londinenses que interpretaban con gran habilidad la música negra de Estados Unidos; el grupo edita su primer álbum The Big Come Up en 2002, predesedido por Thickfreakness en 2003 y Rubber Factory en 2004.
Una de sus principales virtudes es su preferencia por las técnicas de grabación de baja fidelidad, tales como el uso de grabadoras de cinta y efectos analógicos. La banda misma realiza la mayoría de la grabación, producción y mezcla de sus trabajos. Una gran parte del álbum Thickfreakness fue grabado en tan solo 14 horas en el sótano de Carney en una grabadora de ocho pistas Tascam 388 de los 80s. De vez en cuando experimentan con técnicas de producción y grabación un tanto extrañas, como dejar ruidos de fondo.
En 2006 lanzan Magic Potion destacándose por ser uno de los álbumes con mas sonidos extraños de toda su carrera encontrando sonidos ambientes en cada una de sus canción, en 2008 publican Attack and Release y su álbum mas importe o si se puede decir mas comercial con lo que los llevo a muchos países incluyendo Colombia el cual fue titulado Brothers en 2010.
Como vemos esta venda un que es joven cuanta con un gran recorrido musical y con la venia de grandes artistas como Robert Plant lider de Led Zeppelín, o Kirk Hammett guitarrista de Metalica, quien no esconden su gran admiración por estos tremendos músicos.
No me falta más sino invitarlos a que escuchen mucho mas de esta banda que tiene grandes electos que regalarle a la música.
En una época donde los conciertos en inglés en Bogotá era algo exótico (era realmente impensable que “Iron maiden” viniera 3 veces o “Aerosmith” 2 veces), un par de años después del final del comentado y recordado “boom del rock en español”, y recién saliendo de una época muy violenta en el país, venía un grupo que si bien sus más grandes éxitos los tuvo a finales de los 80’s, unas semanas atrás les había ido muy bien en la segunda versión de “Rock in Río” (antes de que apareciera Shakira, desde luego). El 24 de mayo de 1991, el “coliseo el campín” de Bogotá recibiría a la banda norteamericana “Information society”.
Este concierto, patrocinado por los cigarrillos “Derby” y transmitido por las emisoras 88.9 y Todelar stereo (¿por qué estas emisoras no desempolvarán sus archivos y ponen los conciertos que tienen en Internet?) despertó expectativas por ser una de las primeras veces en que se podía ver una banda que estuviese sonando en radio norteamericanas, teniendo en cuenta que estaban lanzando el álbum “Hack” y el sencillo “Think” era éxito en otros países.
Cuentan los que lo vivieron, que la banda conformada por Kurt Larson, Paul Robb y James Cassidy, realizó un acto irreverente al salir a tocar montados en unos patines, cosa que hoy con toda la tecnología y efectos pasaría inadvertida, pero en esa época era algo novedoso, y más para una ciudad que había visto muy pocos espectáculos de nivel mundial.
El repertorio de ese día incluyó sus clásicos como “Repetition”, “What’s on your mind”, “Running” o el cover de la canción de “Abba”, “Lay on your love to me”. Esta banda unos años después se disolvería, incluso recordándose el episodio de un programa de “VH1” en el que quisieron reunir a la banda, pero su cantante no aceptó. Unos años después aceptaría para seguir tocando en lo que llaman el “circuito de la nostalgia”.
De ese concierto no hay imágenes, pero les presentamos hoy el súper clásico “What’s on your mind” de “Rock in Río” (una semanas antes del concierto en Bogotá), montados en patines, desde luego.
Cuando inauguramos este espacio, uno de nuestros temas fue la celebración del aniversario 25 del álbum “Solos en América” del argentino Miguel Mateos, siendo tanto el álbum como el artista, determinantes de la internacionalización del rock en español. Al final de ese artículo hablamos de un nuevo álbum de este artista que saldría en este año, y precisamente hoy hablaremos de “Primera fila”, lo nuevo de Miguel Mateos.
“Primera fila”, que saldrá en Argentina el 24 de mayo en formatos CD, DVD y Blu-ray prensados por Sony Music, es un compilado de 16 canciones en vivo grabadas en Diciembre de 2010 en el “Centro nacional de la música” de la ciudad de Buenos Aires, donde mezcla los clásicos de su primera etapa con la banda “Zas” (“Un poco de satisfacción”, “Tirá para arriba”, “Sólo una noche más”), su etapa internacional (“Atado a un sentimiento”, “Cuando seas grande”) y tres canciones nuevas (“Cuando despierte mañana”, “Borracho y sentimental” y “Rock libre”). La banda con la que Mateos realiza esta obra es la misma que lo acompaña desde hace 10 años: Roly Ureta y Ariel Pozzo en guitarras, Allan Ballan en bajo, Nano Novello en teclados y su hermano Alejandro Mateos en batería.
En cuanto a novedades para este álbum, aparte de las tres canciones mencionadas, hay un par de colaboraciones de otros artistas. La versión de “Obsesión” cuenta con la participación del grupo de pop mexicano “Reik”, y la siempre espectacular y por fin valorada “Solos en América” la canta a dúo con la española “Malú”.
El primer lanzamiento de este álbum es la versión en vivo del súper clásico de 1985, “Perdiendo el control”. Esta canción, cuya versión original en estudio la conocimos en el álbum “Rockas vivas” tuvo varias particularidades en su momento: Fue de las primeras del rock en español donde se usó la “batería electrónica” (algo novedoso en esa época), fue una de las primeras canciones con las que Miguel Mateos se dio a conocer internacionalmente (en países como Chile y Perú, porque en Colombia nunca sonó), y fue el primer intento de Mateos por conquistar el mercado anglo, al hacer la versión “I’m losing control”, que fue una rareza sin ningún tipo de difusión. En la versión original de esta canción, la batería electrónica, el bajo, la guitarra acústica y los sintetizadores, acompañan de manera formidable la potente voz de Miguel Mateos.
Sin temor a equivocarme podemos decir que Miguel Mateos es de esos artistas que toca sentimientos, que con cada melodía sentimos lo que quiere transmitir, no se, suena algo cursi pero son estas canciones como perdiendo el control que nos llevan a recordar algo que se vivió, y que marcado con tinta indeleble en la memoria, que es donde conservamos nuestros secretos y recuerdos mas preciados.
Personalmente he estado en tres conciertos de Miguel Mateos en Bogotá, el ultimo el mas recordado por la entrega que tuvo con su publico que siempre lo espera ansioso de verlo y tenerlo cerca, ya que este es uno de estos artistas que no se necesita pedirle un autógrafo o tomarse una foto, para sentirlo parte de nuestras vidas, es como un primo lejano que lo vemos uno que otro día, pero que cuándo lo vemos sentimos que siempre estuvo con nosotros, llenándonos el corazón con esa música maravillosa.
A Miguel Mateos se le compara con el gran Bruce Springsteen, pero no es solo por que tengamos una copia de el en Latinoamérica, si no por que mas bien lleva su música a trascender en vidas y en momentos de muchas personas, no creo que una canción de cualquier artista de moda pueda tener tanta repercusión como Perdiendo el control, es realmente lamentable que ya este tipo de súper estrellas no se de en la música, y mucho menos en nuestro ambiente rockero colombiano que le ha aportado muy poco al rock en español en Latinoamérica.
No me resta más que decirles que sigamos disfrutando del Maestro Mateos, que roguemos para que “Primera fila” llegue a nuestras discotiendas y poderlo disfrutar una y otra vez de sus canciones para así seguir PERDIENDO EL CONTROL.
Cuando se explora el rock de la década de los 80’s, se puede encontrar infinidad de sonidos, nacionalidades, estilos, etc. Ya en esta página hemos mirado muchos de ellos, ya sea desde el rock para la clase ejecutiva de “Huey Lewis and the news”, el rock más divertido de “Men at work”, el rock en nuestro idioma con Miguel Mateos, o los sintetizadores de Nik Kershaw. Hoy presentamos una banda algo subvalorada, pero con un enorme valor musical. Nuestros invitados hoy se llaman “The Hooters”.
“The Hooters” fue una banda proveniente del estado de Philadelphia en Estados Unidos, muy rockera, pero donde también predominaban instrumentos no tan comunes en el género como la armónica y los acordeones. La banda era conformada por Eric Bazillian (cantante), Rob Hyman (teclados), David Uosikkinen (batería), John Lilley (guitarras) y Fran Smith, Jr. (bajo). Su trayectoria comenzó en 1980, y como muchas bandas, comenzaron siendo populares en diversos clubes y eventos en su ciudad de origen, para llegar a “Amore”, su álbum debut, en el que no hubo ningún gran éxito, pero que sí llegó a vender muy bien. Como dato curioso, Hyman trabajó en arreglos y letras para una por entonces desconocida cantante llamada Cindy Lauper.
En 1985 llegaría su mejor momento con el álbum “Nervous nights”, donde estarían sus éxitos “All you zombies” y el clásico “And we danced”, que fue nominado a premio MTV. La banda tuvo premio de la revista “Rolling Stone” como mejor nueva banda de 1985, así como también tuvo participación en el ya mencionado en otros artículos “Live aid”.
En 1987 lanzaron el álbum “One way home”, donde se encuentra “Satellite”, que es la canción que hoy veremos, y que fue exitoso en Europa, continente donde la banda fue popular en los siguientes años hasta su disolución en 1995.
A partir de su reunión en 2001, la banda se dedicaría a hacer giras con sus clásicos, y algún material nuevo en 2007 llamado “Time stand still”, sin mayor repercusión comercial.
Si bien por lógica la canción a presentar debía ser “And we danced”, preferimos que conozcan esta gran canción llamada “Satellite”, de su álbum “One way home”.
En momentos donde las telecomunicaciones y en especial la internet a facilitado la globalización de la música encontramos artistas de todos los calibres, sabores, texturas y por que no decirlo etnias que nos invaden día a día, con un motón de sonidos que es totalmente abrumador.
En un comienzo para mi este bum de la internet y la música fue fascinante, encontrar cosas nuevas, artistas nuevos, albúmenes que eran totalmente complicados conseguirlos originales en las tiendas. Era mágico poder escuchar grupos jóvenes locales y extranjeros abrirse paso por los grandes artistas y ser escuchados solo dando un click en nuestras pantallas.
Después de un tiempo toda esa magia en mi se convirtió en una desgracia, saturado por las mil y una cosas que se ven, nuevos estilos, que a mi parecer solo son un rencauche de muchas tendencias que ya pasaron, y si pasaron y no se quedaron fueron malas. Se que la moda y el rock van de la mano, pero pienso que la música tiene que ir adelante, pero lastimosamente ya no es así, me canso de ver muchos niños con tatuajes, expansiones en sus lóbulos y cuantas cosa se les ocurra tener, y la verdad me gusta como hemos evolucionado en nuestra tolerancia a nuevas cosas; con lo que no puedo es que esas nuevas generación hagan música basura, como la que se hace en nuestro país y en general en el mundo hace mucho tiempo.
Si tiene tiempo escuchen lo nuevo de tres de corazones, aquel grupo paisa que me da escalofríos escucharlo, y que ahora con su nuevo dueto con Elkin Ramírez vocalista de Kraken creo que la sacaron del estado. Pero bueno siempre me digo lo mismo, basta ya de criticar tanto, y centrémonos en cosas valiosas y artistas que vale la pena escuchar con detenimiento.
Eso es lo que pasa con John Mayer, el cual algunas personas se atreven a decir que es el nuevo Eric Clapton, algo pretensioso pero no descabellado. John Clayton Mayer nace un 16 de octubre de 1977, músico y productos netamente estadunidense para desgracia de muchos; se crio en Connecticut y estudio en Berklee college of music de Boston.
Comenzó su carrera tocando rock acústico, acercándose poco a poco hacia el género blues, llegando a colaborar en 2005 con artistas como B B KING, Buddy Guy y con el gran Clapton formando el John Mayer Trio. La influencia del blues es patente en su álbum Continuum , lanzado en septiembre de 2006. Ganó el premio Grammy en la categoría de mejor álbum pop por Continuum y mejor interpretación vocal pop masculina por "Waiting on the World to Change " en gala de los premios Grammy de 2007. Battle Studies, su cuarto disco de estudio, salió al mercado en noviembre de 2009.
En Septiembre de 2010, durante una actuación sorpresa en el Eddie's Attic, Mayer deja entrever que está cansado del pop y que ha encontrado el antídoto para su vida de celebridad en Bob Dylan y en el folk, dejando en el aire que esa será la próxima dirección que tomará su carrera. Más adelante, en 'A Different Spin' programa musical de Mark Hoppus, da su última entrevista y dice que cree que lo mejor de su carrera está por llegar y que no quiere mirar atrás y decir "esto es lo mejor que he hecho" (posiblemente en referencia al pensamiento de que 'Continuum' es su mejor obra)
Como dato anecdótico John cerro su cuenta de twitter y se despidió de sus fans ya que al parecer se canso de ser la típica celebridad que comenta todo lo que hace, como lo hacen, ALGO REALMENTE ABURRIDO; muchas personas que les encanta darle rienda suelta a su creatividad y a veces a su estupidez escribiendo en voz alta cuanta bestialidad se les plazca en las redes sociales.
Esperen una descripción mas detallada de la vida y obra musical de John en un próximo articulo, mientras tanto disfruten de your body is A Wonderland, una de las canciones que lo llevo al reconocimiento mundial, disfrútenla.
En un momento del mercado de la música donde casi todos los días se unen cantantes para hacer temas, muchas veces irrelevantes y sin ningún tipo de sorpresa, es un bueno recordar un estupendo dúo de dos grandes figuras del rock de todos los tiempos. En 1985, “Dancing in the street” unió los talentos del “camaleón” David Bowie y de Mick Jagger, el eterno vocalista de los “Rolling Stones”.
“Dancing in the street” fue una canción original de 1964, interpretada por “Martha and the Wandellas” y co-escrita por el famoso y desaparecido Marvin Gaye para el sello “Motown”. En su momento fue escrita como una canción para el baile y la diversión, pero con el paso del tiempo fue tomando tientes sociales en defensa de las minorías raciales, como una manera de salir a las calles a protestar por una sociedad más justa
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La versión que hoy traemos (la de Bowie y Jagger) también tenía un sentido social, en tanto que hacía parte de la causa “Live aid” (de cuyo concierto hablaremos en una próxima oportunidad), la cual buscaba recaudar fondos para intentar mitigar el hambre en Etiopía. El concierto “Live aid” pretendía que estos dos genios cantaran la canción al mismo tiempo en dos lugares distintos, estando Bowie en Londres y Jagger en Philadelphia, pero antes de eso descubrieron que el sonido tenía un retraso de medio segundo de un lugar a otro, lo que obligaba a hacer “playback”, algo que ninguno de estos dos profesionales haría.
Siendo # 1 en Inglaterra durante un mes, y # 7 en Estados Unidos, sus regalías fueron para caridad, mientras que Bowie y Jagger solo cantarían este tema en vivo una vez en 1986, pero su video sí lo podemos disfrutar una y otra vez.
Hoy en Music Flies les traemos en exclusiva el nuevo video de la banda Británica Artic Monkeys, titulado 'Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair' primer sencillos de su cuarto disco "Suck It and See" que estara disponible en el mercado la primera semana de junio.
Como siempre los Artick dignos representantes del sonido Indie Rock Británico nos recuerdan ese sonido algo crudo de sus composiciones, y de sus letras. Este video en especial me recuerda a los noventa con la explosión de grandes bandas como Oasis o por que no recordar a The Smists en los ochenta, grandes influencias de los Monkeys.
Como se anuncia en su pagina oficinal su ultimo trabajo se estar lanzando el 6 de junio del presente año, recordemos que su ultimo trabajo fue lanzado en 2009 titulado Humbug y que se dice que esta influenciado por el proyecto de Alex Tuner, The Last Shadow Puppets, quien recordemos es el líder de los Artic.
De este último álbum rescatamos algunas muy buenas canciones como My Propeller, Crying Lightning la cual es una de mis favoritas de toda la carrera de estos buenos músicos Británicos.
Solo esperamos que a los melómanos como yo llegue el CD rápidamente a las tiendas Colombiana para nos forzarse a tener que bajarlo por Internet y perder totalmente la magia de poder disfrutar de un álbum, que es muy esperado por la trayectoria que tiene la banda.
Solo me resta decirles que disfruten este estreno.
Durante toda la década de los 80’s hubo bandas que visitaron pocos veces los listados, pero cuando lo hacían, llegaban a la parte más alta. Hubo también bandas que llevaban haciendo música durante mucho tiempo y de repente lograban tener alguna repercusión comercial, si bien efímera, pero resultaba ser el premio a una trayectoria. J. Geils Band reunió estos aspectos en 1981.
The J. Geils Band fue una banda que se formó en un centro educativo en 1967 con el poco sugestivo nombre de “Snoopy and the Sopwith camels”. Poco tiempo después tomarían el nombre “The J. Geils Blues Band”, quitándole la palabra “Blues” para cuando firmaron su primer contrato con “Atlantic records” en 1970. Estaba conformada por J. Geils (guitarras), Danny Klein (bajo), Richard Salwitz (armónica), Seth Justman (órgano) y Peter Wolf (voz).
La banda hizo muchos álbumes en los años 70’s, con varios éxitos menores en radios locales de Detroit y Boston, pero realmente sin mucho para resaltar, hasta que en 1981 salió a la venta el álbum “Freeze frame”, que tendría en su contenido dos de los grandes éxitos de ese año: “Freeze frame” (# 4 en Estados Unidos) y el éxito “Centerfold” (# 1 en Estados Unidos e Inglaterra), que hoy les presentamos.
Si uno va a buscar en los listados de 1981 o de comienzos de 1982, muy seguramente estará alguna de estas dos canciones en las 5 primeras posiciones, dando batalla a canciones como “Physical” de la australiana Olivia Newton John, o a “Waiting for a girl like you” de “Foreigner”, canción que tiene el record de mayor cantidad de semanas en el # 2 de Billboard sin llegar nunca al #1.
Ya en 1983 el éxito se esfumaría, y con él su cantante Peter Wolf, quien abandonaría la banda debido a diferencias creativas. Varios de sus integrantes tomaron otros rumbos en la música (como Danny Klein, quien formó una banda para interpretar las canciones de la banda), o fuera de ella (J.Geils se dedicó a la mecánica de autos deportivos), e incluso han tenido varias reuniones ocasionales en este siglo, pero sin sacar nueva música.
Con 14 álbumes grabados y una extensa trayectoria, pero con solo el recuerdo popular de las dos canciones con las que en 1981-82 llegaron a lo más alto, “The J. Geils Band” es uno de esos tantos ejemplos de cómo un grupo por más que trabaje duro y de manera honesta, puede encontrarse con una fama muy efímera, pero que de igual modo, puede resultar gratificante en tanto que marcaron un momento de la historia de la música, y eso no cualquiera lo puede hacer.
Carajo nace de la ruptura del grupo A.N.IM.A.L recordado por todos por ser una de las bandas más emblemáticas del metal de Latinoamérica en los noventa y principios del dos mil. Carajo se formo en Buenos Aires Argentina en el año 2001 por Marcelo “corvata” Corvalan en bajo y voz, Andrés "Andy" Vilanova (batería) dejan A.N.IM.A.L conformando un trió junto a Hernan "Tery" Langer en guitarra y coros.
Lo interesante de Carajo es que conjuga la fuerza del punk y del Nu Metal para crear un sonido que es bastante cautivador, ya que no sabe a una copia, sabe a un muy buen rock Argentino hecho con calidad. Una de las mejores cosas de esta banda es la interpretación de la guitarra por Tery quien a su corta edad se le puede catalogar como una de las grandes promesas latinoamericanas, sus pequeños efectos y su gran creatividad, haciendo algunos contratiempos en sus mezclas hacen exaltar la gran calidad del Grupo.
Cuentan con cuatro albúmenes de estudio los cuales se editaron en el 2002 con su homónimo Carajo, 2004 con Atrapa sueños, 2007 Inmundo y en 2010 El mar de las almas; además de contar con un álbum electro acústico (electro roto) en 2005 el cual no fue planeado por la ruptura de uno de los brazos de Vilanova con lo que decidieron hacer este formato con ayuda de otros músicos. Como dado anecdótico Andrés Vilanova en hijo del gran músico Argentino Miguel "Botafogo" Vilanova, destacado por ser uno de los impulsadores del blues en Latinoamérica.
Carajo lo hemos tenido en Colombia en tres ocasiones, dos de ellas en el festival de rock al parque en 2002 y 2007, además de tener algunos toques en bares de Bogotá y Medellín.
Solo espero que sigan esta banda, que tengamos sonidos algo mas pesados en nuestro catalogo musical, así nos darán algo mas de criterio antes de poder criticar el trabajo de este tipo de bandas con un sonidos únicos, pero que lastimosamente no son tan difundidas en nuestro medio dedicado a promocionar grandes artistas que le aportan muy poco al rock que nace de Latinoamérica.
Cuando uno piensa en “Huey Lewis and the news”, o ve fotos de esta banda, se imagina “Wall street”, una rueda bursátil, gente corriendo en las calles de Nueva York para hacer negocios, o una sucursal bancaria.
“Huey Lewis and the news” fue un banda pensada para el “Yuppie” norteamericano de la década, y este recibió muy bien su música llena de energía, con predominancia en sonidos de saxo, guitarras y teclados. El álbum más importante de esta banda norteamericana, muy exitosa en los años 80, fue “Sports” de 1983, que todavía es uno de los álbumes más vendidos de la historia con más de 10 millones de copias en Estados Unidos, y un digno sucesor de “Picture this”, el álbum que dio a conocer a la banda en 1982 con la canción “Do you believe in love”.
En “Sports” se encuentran varias canciones que aún hoy se escuchan mucho en las radios, como “The heart of rock and roll”, “I want a new drug”, “Heart and soul”, “If this is it”, y “Walking on a thin line”. De estas canciones, “I want a new drug” llegó al número 1 (a pesar de haber ido a juicio por un supuesto plagio de la canción de Ray Parker Jr, “Ghostbusters”), mientras que las demás aseguraron Top 20 en muchos listados. Curiosamente, su principal éxito, el muy recordado “The power of love” no se encuentra en ese álbum, ni en ningún otro dela banda, sino en la banda sonora de la película “Volver al futuro”, o en versiones internacionales de su siguiente álbum.
El sucesor de “Sports”, llamado “Fore”, fue muy exitoso, pero no tanto como “Sports”, aunque contaba con canciones más rockeras que se ajustaban más a la voz de Huey Lewis, como “Hip to be square” o “Jacob’s ladder”.
En los noventas y en el siglo XXI, ya sin éxito comercial y sin apoyo de su disquera “Elektra”, la banda se dedicó a realizar giras por Estados Unidos. Se extraña la música de Huey Lewis, que sirvió como refresco al hombre de negocios norteamericano de los 80’s, que en medio de los “reagonomics” y el fin de la guerra fría, pudo deleitarse con la muy buena música de esta banda.
Como lo dijo Patrick Bateman, el personaje interpretado por Christian Bale en la película “American Pshyco”, “Hip to be square” es su indiscutible obra maestra, y esa es la que les mostramos el día de hoy.
Por que los grandes músicos siguen marcando la historia del rock, hoy les tenemos lo nuevo de Michael Andrew más conocido como "Duff" McKagan músico estadunidense quien se ha destacado en varios proyectos como bajista, integrante original de la mítica banda Guns N´Roses.
También recordamos a Duff por ser uno de los fundadores de Velvet Revolver quien reunió a los ex integrantes de los Guns con el vocalista Scott Weilan(ex STP), Tuvieron varios éxitos en su corta carrera música, desafortunadamente la situación de drogadicción de Weiland termino este súper grupo, que fue un bum reuniendo grandes músicos veteranos de los ochenta, recordando lo que es hacer buena música.
El primer proyecto solista de Duff fue en 1993 con su álbum Believe In Me, con el que fue tenido en cuanta para una pequeña gira con lo que se dio a conocer como cantante, integro la banda Neurotic Outsiders, también formada por Steve Jones de los Sex Pistols, Matt Sorumcompañero en Guns N`Roses y John Taylor deDuran Duran.
Duff quería seguir trabajando con proyectos paralelos a los que ha sido músico y quería tener mas reconocimiento como cantante, por eso a finales de 2007 decidió retomar un viejo proyecto llamado Duff Mckagan´s Loaded que fue formado en 1999 inyectandole un nuevo sonido mas fresco, dejando atrás un poco su pasado con el rock de los ochenta. En este trabajo lo vemos mas fresco sin tanta presión por hacer cosas que puedan ser exitosa a nivel comercial y competir con los grupos del momento que en mi opinan, no le aportan nada a la música.
En septiembre de 2009, Duff participó en la grabación de Slash, el primer álbum en solitario de su amigoSlash. Duff aparece en la canción "Watch This" junto a Dave Grohl; solo me resta decirles que disfruten lo que hace este buen músico y no lo llevemos al pasado encasillándolo con lo que hizo, solo con su presente y su gran futuro.
A finales de los 90’s, antes del furor del llamado “rap blanco” y justo después del auge del “grunge”, surgió un esporádico fenómeno que en su momento llamaron “nuevo rock”, que constaba de jóvenes bandas norteamericanas que tenían canciones más rítmicas y más digeribles que los otros géneros del rock. Bandas como “Fastball”, “Sugar ray”, “Smash mouth”, entre otras llegaron a los topes de las listas entre los años 1996 y 1999. Hoy hablaremos de la banda “Semisonic”, liderada por Dan Wilson, que contó con sólo tres álbumes entre 1996 y 2001.
Su primer álbum fue “Great divide”, donde sólo se mostró tímidamente la canción “F.N.T” en 1996. Su álbum más famoso fue el segundo: “Feeling strangely fine”, editado en 1998, tuvo tres canciones conocidas: “Closing time”(# 1 en Estados Unidos” y también en países como Canadá y Colombia), “Secret smile” (con buen suceso en Inglaterra y en Latinoamérica), y “Singing in my sleep” (con cierta rotación en MTV). Este álbum tuvo también canciones muy buenas como “This will be my year” y “Completely please”, pero que nunca pasaron por los listados.
En 2001, la banda tuvo un último álbum de estudio llamado “All about chemistry”, casi sin ningún éxito, y con un tránsito muy fugaz por los listados norteamericanos. “Chemistry” fue el primer lanzamiento, pero no logró el Top 30 ni en Estados Unidos ni en Inglaterra (ni en Suramérica), mientras que la cuestionada y muy ambigua “Get a grip” ni siquiera logró a los listados de popularidad. En 2003 hicieron un álbum en vivo llamado “One night at first avenue”, sin ninguna repercusión comercial.
Sus integrantes han participado en diversos proyectos musicales, y el mismo Wilson ha dejado la puerta abierta para una reunión de la banda, pero esta, como tantas bandas de esa época, tan pronto eligieron la hora para abrir, el mercado les indicó que también era la hora de cerrar.
Como todos sabemos Depeche Mode es una de esas pocas bandas que son capaces de influenciar con su música diferentes géneros musicales, desde lo más extremo del metal, hasta los géneros más modernos y electrónicos. Muchas bandas le han hecho tributo a esta súper banda, entre las que encontramos a Keane, Nada Surf, The Arcademy is, y por su puesto la banda que hoy tenemos como invitada Lacuna Coil.
Lacuna Coil es un grupo formado en el año de 1994 en Milán Italia y se destacan por tener sonidos góticos, con influencias de bandas de su mismo genero y algo de buen rock como Black Sabbath y claro algunos toques electrónicos de Depeche Mode; la banda se dio a conocer en festivales de Estados Unidos y alrededor de Europa como el aclamado Ozzfest y Wack Open Air en Alemania.
La banda fue conformada por el guitarrista y compositor Marco Coti, Raffaele Zagaria en guitarra, Andrea Ferro en el Bajo y Micheleangelo en la batería, con esta alineación tocaron por un buen tiempo hasta la inclusión de la hermosa Cristina Scabbia que le dio un toque supremo a la banda con su voz y su presencia. Hay que aclarar que varios músicos han ido y venido a lo largo de la vida musical de esta banda como el gran baterista Leonardo Forti.
El cover de "Enjoy The Silence" como su segundo sencillo del álbum Karmacode, esta canción lanzo a la fama al grupo la cual interpreta de una manera prodigiosa la canción con riff mas fuertes que la versión original y con una Cristina Scabbia que exalta el gran trabajo de voces con esta canción, evocando siempre al gran Dave Grahan por su voz, la cual será recordada a lo largo de la historia del rock como una voz totalmente imponente.
El 12 de junio de 2010 la agrupación Italiana visito nuestro país, en un concierto ofrecido en el Downtown 727 en la ciudad de Bogotá, con una puesta en escena decente para la categoría del lugar donde se presentaron. Esta agrupación en Colombia no tiene el público necesario para llenar una plaza de Eventos del Simón Bolívar para presentarse allí, pero siempre me pregunto por que una ciudad con tan alta diversidad cultural no tiene escenarios acordes con los artistas que nos visita.
Definitivamente la versión original es absolutamente mejor que cualquier cover que le puedan hacer, pero me parece que la versión ofrecido por Lacuna Coil nos hace abrirnos a nuevos horizontes, a diversos teneros musicales, tener en la mente que no solo lo viejo es bueno. Hay cosas sumamente valiosas de este tipo de agrupaciones como los excelentes trabajos en teclados y voces. Hay personas que no les gusta escuchar sonidos fuetes, no se si es por miedo a no aguantar o simplemente por pereza, los invito a que abran su mente y descubran nuevas formas de hacer música.
Los que estuvimos en el parque Simón Bolívar el 10 de octubre de 2009, muy difícilmente podremos olvidar el momento en que casi al final del concierto, la pantalla gigante tomó un tono azul cielo y aparecieron 3 hombres vestidos de astronautas. Para muchos fue el momento de la noche, y nos dedicamos, como lo dice la canción, a disfrutar.
“Enjoy the silence” fue el segundo lanzamiento de “Violator”, el álbum de “Depeche Mode” de 1990, donde también se encontraba incluida la canción “Personal Jesus”, otro de los grandes éxitos de la banda. Originalmente esta canción fue escrita, compuesta y cantada por Martin Gore en una versión acústica, pero Alan Wilder (en ese entonces tecladista de la banda) le dio el sonido de sintetizador que tiene la versión definitiva de la canción, que finalmente fue interpretada por David Gahan.
El video es muy conocido (y quien no lo haya visto, lo puede ver hoy aquí) con David Gahan vestido de rey, caminando por distintos lugares para disfrutar el silencio. Esta canción a su vez es una de las que nunca falta en los conciertos de la banda, lo que pudimos constatar en su show en Bogotá en el marco del “Tour of the Universe”.
Esta canción ha contado con un sinnúmero de versiones, por parte de bandas famosas como “Keane”, o por bandas de géneros tan eclécticos como el góspel o el punk. En nuestra próxima entrega veremos una de esas versiones, por ahora, nada más que hablar, tan solo, “Enjoy…the silence”.
La semana pasada vimos “Some like it hot”, el primer lanzamiento de “The Power station”, que a su vez llegaría al # 6 en Billboard. En esta canción, así como en todo el álbum, era evidente la fuerza de cada instrumento, sobretodo los espectaculares inicios de batería a cargo de Tony Thompson.
El segundo lanzamiento fue la canción que inició todo: “Get it on” (que es la canción que veremos hoy), original de la banda de los 70’s “T-Rex”, llegaría al #9 de Billboard, al mismo tiempo que “Duran Duran” llegaba al #1 con “A view to a kill”, la última canción que contó con la formación original de esa banda en el siglo anterior. Hubo un tercer lanzamiento llamado “Communication”, que si bien era una muy buena canción, no llegó muy alto en los listados. “Go to zero” fue otro tema interesante, aunque tal vez más parecido a lo que luego haría Palmer como solista.
El éxito de “The Power station” fue aprovechado por Robert Palmer para impulsar su carrera solista con el álbum “Riptide”, que contaría con la colaboración de algunos de sus compañeros de “The Power station”, y con la muy famosa y recordada canción “Addicted to love”. Mientras tanto, la banda necesitaba un vocalista para salir de gira y llamaron a Michael Des Barres para reemplazar a Palmer en esas presentaciones, incluida una en el famoso “Live aid” en 1985, el cual buscaba recaudar dinero para ayudar a la población africana.
A final de 1985 la banda se disolvió y cada quién se enfocó a diferentes proyectos, siendo Palmer en solitario el más exitoso. En 1996 la banda se reunió (a excepción de John Taylor) para hacer el álbum “Living in fear”, que mostró un sonido mucho más rockero y si se quiere “pesado” respecto al álbum debut. En términos comerciales no pasó nada con este álbum.
En años recientes han salido a la venta diversas compilaciones de esta banda, destacándose una en 2005 para celebrar los 20 años de la banda, que contaría con una canción nueva, interpretada por Michael Des Barres.
En cuanto a la actualidad de sus integrantes, Palmer murió de un infarto en 2003 en Paris; John Taylor está en Duran Duran, a diferencia de Andy, quien estuvo en el álbum “Astronaut” (el primer álbum con la banda original completa después de su disolución en 1985), pero se retiró por diferencias con sus compañeros; Tony Thompson murió el mismo año que Palmer, y Edwards murió cuando se iba a iniciar la gira de “Living in fear”.
En resumen, “The Power station” fue un proyecto donde todos estos músicos exploraron un lado rockero que en sus respectivas bandas no podían hacer, y que si bien duró muy poco (como muchos grupos de esa década), dejó su impronta con muchos clásicos, buena música y videos interesantes como el que vemos hoy.
Grandes gestas han quedado en mi memoria de grandes músicos que han pisado la tierra, algunos sumamente virtuosos, otros con el simple don de hacer ver lo simple majestuoso. Creo que es difícil hacer un listado de los mejores, los más influyentes, los revolucionarios de la música, sus técnicas en fin mil y un variables que surgen. Es sumamente complicado pensar en tantos músicos, pero de lo único que estoy totalmente seguro es que los mas grandes indudablemente para mis son THE BEATLES, con sus canciones han marcado mi vida, mi pensamiento y mi gusto por la música, es indudable el legado de estos cuatro extraterrestres que lastimosamente solo nos quedan dos entre nosotros.
Simplemente es refrescante escuchar sus canciones y dejarse llevar por sus musas que fueron diversas, sus ideales y su manera de ver la vida, pero es a un más gratificante ver como grandes músicos sigan haciendo homenajes a THE BEATLES.
Yellow Matter Custard nace de la fascinación por THE BEATLES, y esta conformado por el gran por Neal Morse (cantante y compositor de rock progresivo Cristiano) , Matt Bisonett (ex bajista de Ringo Starr y su banda, así como de formación Jazzística),Paul Gilbert (fundador de Racer X y guitarrista de Mr. Big) y por el mítico Mike Portnoy (baterista de Dream Theater, y compositor de rock progresivo). Su presentación más memorable y la cual fue grabada se di el 18 de mayo de 2003 en el club B.B. King de New York. Por un lapso de 2 horas interpretaron 31 melodías de prácticamente toda la historia Beatle, aunque haciendo un poco hincapié en el período de evolución (es decir, a partir de Help!, Revolver y Seargent Pepper's). La filmación del concierto se efectuó con tan sólo 2 cámaras, pero en vez de ser un defecto, se convirtió en una virtud, al darle cierto aire de antigüedad y de intimidad, como lo hacían THE BEATLES en la “The Cavern” bar donde se dieron a conocer.
Es totalmente hermoso ver a estos virtuosos de la música interpretando estas canciones, colocando pequeños detalles de su gran virtud musical, pero ante todo, ver que disfrutan tocando estos himnos universales.
No me resta más que invitarlos a ver el video y que se deleitarse con lo mejor del rock de todos los tiempos.
